miércoles, 8 de octubre de 2008

Matta y Surrealismo

En relación al Surrealismo de Matta sus obras tratan de dar a conocer su vida interior y su espíritu humano expresando sus emociones, pensamientos e ideas (espejo del alma), mezclando aspectos abstractos, proyectando una atmósfera vibrante, energética, futurista, desprendimiento y fuerza. Sus obras tienen un juego de color en la que se aprecian contrastes y luz.


N’ OU’S T’OU’S
Grabado 1995

La interpretación de esta obra nos refleja como si fuera el mundo interior dentro de su cabeza, en la cual encontramos un laberinto complejo, desordenado, colorido e inquietante, lleno de experiencias, sueños, emociones, recuerdos, etc. Es el yo interior de un hombre lo que lo hace único e irrepetible del resto de los hombres.



VERBO AMERICA

En relación a esta exposición hay una conjugación de tiempo e historia entre el Mediterráneo, Europa y América, en la que hay una retroalimentación de todas las diversas culturas, donde se observan idolatría, sacrificios, mitología, y un predominio de los colores rojo y amarillo en sus obras.


FIGURA HUMANA

En estas obras dejan muy en claro la anatomía femenina y masculina resaltando exageración, distorsión de las partes íntimas, en la que se fusionan cuerpos amorfos.


BRIGADA RAMONA PARRA

Silla Crisantemo

La silla fue diseñada por Roberto Matta y tallada en madera por Alejandro González (fundador Movimiento Brigada Ramona Parra), en la que podemos observar claramente un cuerpo femenino en el cual rescatamos las curvas de los labios, senos, cintura y su corazón al centro.

COMENTARIOS PERSONALES

Pamela Saballa

En ni opinión personal la exposición de Matta son reflejos de sus estados de ánimos y espirituales, en la que hay un constante descubrimiento, en las que desea transmitir al espectador sensaciones de lo que pueden ver y experimentar con sus obras en especial las sin títulos. Sus pinturas son muy abstractas, simbólicas y también figurativas, hay mucha influencia el uso de la degradación y de los colores sombríos, provocando ambientes fúnebres y oscuros, pero aún así, se ve la presencia de los colores rojo y amarillo, provocando ese contraste en sus obras. En particular sus obras me provocan una retrospección de lo que ha querido expresar el artista.

Silvia Ayala

La obra de Roberto Matta pasa por distintas etapas unas más abstractas y otras más figurativas, siento que hay un gran espíritu de búsqueda del ser y de experimentar cosas distintas en cada ocasión, el ocupa distintos tipos de técnicas y sustratos. Matta considera que el arte es como un espejo del alma.

Sus obras hay que sentirlas ya que cada una de ellas es una experiencia, su colorido es intenso, atractivo, brillante y en ocasiones oscuro hay un juego constante de contrastes.

Muchos de sus cuadros parecen como si fuesen relatos de sueños, momentos, episodios de una historia.

Personalmente me gustó mucho el colorido de los cuadros más abstractos ya que provocan sensaciones y hacen que tu imaginación se active al máximo, cada una de las obras son completamente impredecibles.

Patricia Cortés

Las obras de Roberto Matta son el reflejo de su alma, cada una de ellas transmite el estado anímico y características propias del autor.
Obras que pasan por el tiempo, culturas y anatomía, pareciendo relatos de sus sueños.

Su arte pasa por varias etapas, figurativo y abstracto. En lo figurativo juega con las experiencias y las transforma plasmándolas en cada cuadro. En lo abstracto es un destape a la imaginación, un juego de colores en contraste.

Veo que su vida está inscrita en cada trazo, en los colores y sensaciones que reflejan sus obras, realmente un Artista apasionado.

martes, 30 de septiembre de 2008

FUTURISMO por Silvia Ayala


1. El hombre futurista quiere arrancar de la tierra todo lo antiguo como los museos, bibliotecas, academias ya que lo consideran como una gangrena en la sociedad. Esto pretenden hacerlo mediante la guerra ya que con ella higienizarían al mundo.

2. Consideran que ninguna obra de arte puede ser una, si no tiene un carácter agresivo.

3. Están interesados en la maquinaria como automóviles, locomotoras, aviones ya que estos demuestran velocidad, fuerza, peligro, agresividad y movimiento.

4. Ellos imponen sus ideales mediante la fuerza

5. Sienten que con su juventud tienen el poder de limpiar y construir nuevos adelantos.

domingo, 28 de septiembre de 2008

FUTURISMO por Pamela Saballa


- La literatura se empleaba a través de la poesía para transmitir las ideas y pensamientos que acontecían en ese período.

- La modernidad se consideraba una fuerte influencia con respecto a la maquinaria, una pasión por la belleza de la velocidad (automóvil).

- Negación del pasado en relación a los museos, bibliotecas y academias, porque querían un nuevo arte en relación a la tecnología y la vida moderna.

- La violencia en cuanto a la glorificación de la guerra, porque decían que era la única forma de higiene del mundo de las expresiones artísticas del pasado.

- La libertad de expresión como un movimiento que abarcó un conjunto heterogéneo de ideas, de personalidades y de tendencias.

sábado, 27 de septiembre de 2008

EL FUTURISMO por Patricia Cortés


• Movimiento agresivo compuesto por jóvenes revolucionarios.
• Deseaban arrancar en forma absoluta el arte del pasado.
• Adoración de la máquina por su fuerza, rapidez, velocidad, energía.
• Captar la sensación de movimiento, retratratando la realidad.
• Exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la deshumanización.

miércoles, 10 de septiembre de 2008

El desarrollo del cartel francés Art Nouveau por Silvia Ayala

Resumen Texto

Durante la década del año 1880 en París, Francia encontramos varios artistas jóvenes los cuales incursionaron e innovaron en el desarrollo de carteles de tipo político, venta de productos, entretención e ilustraciones los cuales estaría generando un nuevo tipo de arte llamado Art Nouveau.

Con el tiempo el Art Nouveau se extendió a todo tipo de disciplinas como la joyería, la arquitectura, los muebles y la escenografía entre otros.

Varios de los exponentes son:

1. Théophile –Alexander Steinlen
2. Henrie de Toulouse – Lautrec
3. Eugine Grasset
4. Alphonse Mucha
5. Emmanuel Orazi

En el año 1895 se discutía en Europa lo que se llamaría L´Art Nouveau. Mucha se opuso a esta designación ya que afirmaba que el arte era eterno y nunca podría ser nuevo; a pesar de eso es uno de los mayores representantes de este movimiento.

Las representaciones estaban llenas de curvas ligeras caprichosamente fluidas del rococo, los afiches eran muy llamativos tanto en forma como en color.

Ideas Principales

· Complejidad en la composición de los carteles
· Colores, formas llamativas y exóticas
· Carteles de tipo político, periodístico, venta de producto, situaciones cotidianas, entretención.
· El Art Nouveau se extendió en diferentes disciplinas como la joyería, arquitectura, muebles y escenografía.
· En 1900 se habló de un estilo “Mucha”; sus mujeres proyectan irrealidad, son doncellas sensuales y exóticas. Sus peinados llegaron a ser distintivos de la época.
· Existe influencia del arte japonés
· Uso de elementos de la naturaleza en las composiciones.

Comentario Personal

Mucha simplemente me encanta ya que sus carteles e ilustraciones son fascinantes, exóticos y místicos. Su estilo es único. Me llama mucho la atención la joyería de Mucha al ser original, fina y delicada sin dejar de tener su sello que es inconfundible.
Me gusta como los exponentes de este arte toman diversos temas para ser representados en los carteles.
La mayoría de las obras son complejas en cuanto a la cantidad de elementos que contienen pero a pesar de eso me llama primero la atención el color , después la forma y finalmente el mensaje.


Bibliografía: “ La Historia del Diseño Gráfico, El Art Nouveau y el cambio de siglo”

La transición de los gráficos victorianos al estilo del Art Nouveau.

CHÈRET Y GRASSET.

La transición de los gráficos victorianos al estilo del Art Nouveau fue de manera gradual. Dos grandes artistas gráficos que jugaron importantes papeles en esta transición fueron: Jules Chèret y Eugène Grasset.

En 1881 se suprimió muchas restricciones de censura y permitió que los carteles fueran colocados en cualquier parte, excepto iglesias, urnas electorales y áreas asignadas para anuncios oficiales.

Esta nueva ley convirtió las calles en galerías de arte accesible para todo tipo de persona incluso hasta para el más pobre.

Jules había mostrado que el camino y el movimiento de las artes y los oficios revaloraban las artes aplicadas, era un litògrafo convencido de que los carteles litográficos pictóricos reemplazarían los carteles tipográficos hechos con tipos y que poseían pequeñas ilustraciones.

Una vez que Chèret regresara a Inglaterra se instruyo en la nueva litografía avanzada inglesa dominándola en su totalidad.

Las influencias artísticas de Chèret incluyeron en la belleza idealizada y el estilo de vida alegre.

Las bellas y jóvenes mujeres que creó, apodadas Chèrette eran arquetipos, no solamente por la idealización de la mujer sino también por el estado social específico evocando a “la liberación femenina”, de hecho fue apodado “el padre de la liberación femenina”.

Eugène Grasset fue el primer diseñador ilustrador que rivalizo con Chèret en popularidad pública.

De hecho la composición formal de Grasset y los bajos colores de intensidad contrastaban fuertemente con el trabajo de colores brillantes compuestos informalmente por Chèret.

Destacados de la época:

Jules Chèret

Eugène Grasset.



Ideas principales:

La liberación femenina.

La composición formal.

Trabajo de colores brillantes compuestos.

Arte accesible para todo tipo de persona.

Comentario personal:

El periodo de transición hacia Art Nouveau fue trascendental en la forma en que fue planteado al publico, la no censura ante los carteles y acceso a todo tipo de publico a ellos expandió el afán de critica, no solo a un sector acotado de la sociedad, sino a todo tipo de persona.

He hay donde se presenta a través de las graficas de Chèret la liberación femenina alejando la imagen de la mujer de una manera muy formal o sufrida que eran con anterioridad la única forma de expresión para la representación de la mujer.

Bibliografía:

La Historia del Diseño Gráfico. El Art Nouveau y el Cambio de Siglo.

Escrito por: Nicole González G.

martes, 9 de septiembre de 2008

El Separatismo Vienés por Patricia Cortés

Sezessionsitl, nace en Austria (3 abril de 1897), cuando jóvenes 
de la Asociación de Artistas creativos Vieneses, (Escuela Kunstherhaus), 
rechazan que artistas extranjeros participen de las exhibiciones, y el 
conflicto en contra de las ideas del Art Nouveau que surgían en Francia,
Inglaterra y Alemania.

Este grupo evoluciona con rapidez, fue desde el estilo alegórico 
ilustrativo de la pintura simbólica a un estilo floral, 
hasta el estilo maduro del separatismo vienés.

Viena llegó a ser el centro principal de las nuevas creaciones, 
en 1898 se publica la primera revista llamada “Ver Sacrum” 
(primavera sagrada).

Diseñadores vieneses con afán de experimentar e innovar, 
preferían letreros limpios y legibles, figuras planas simples 
donde predominada los modelos geométricos y la construcción 
modular de los diseños que poseían una sutil cualidad orgánica, 
interés pormla fusión del texto, la ilustración, ornamentos como 
unidad, se ven las primeras composiciones hechas por planos 
en blanco y negro, además experimentan con soportes novedosos.

En 1903 se fundaron los talleres de Viena en búsqueda de unión
entre las artes aplicadas, además de diseño de objetos cotidianos.

En 1920 este arte ya había pasado, tendiendo un puente al abismo
entre el ornamento del siglo XIX y el Arte Nuevo. 
Y el funcionalismo racional y geométrico del siglo XX.


Destacados de la época:
Koloman Moser, contribuyó al diseño con la revista Ver Sacrum,
y fundó los talleres de Viena.
Otros, Gustav Klimb, J.J. Olbrich, Josef Hoffmann, 
Jelius Klinger, Alfred Soller, Berthold Loffer.

Ideas principales:
- Movimiento contrario al Art Nouveau de tipo floral reinante
- Base teórica la experimentación
- Diseños limpios, legibles, tipos sans serif
- En 1900 hacían figuras planas y simples
- Modelos geométricos sutilmente orgánicos
- Nace la revista más importante del periodo Ver Sacrum
- Repetición de formas y la simetría.


Comentario Personal:
Este periodo fue un gran aporte para el diseño gráfico,
los artistas se atrevieron a experimentar e innovar. 
Tuvieron como objetivo la coherencia visual en sus composiciones.
Los diseños debían ser estéticos y eran encargados a diseñadores, 
dando importancia a los criterios del artista.
Crean un lenguaje de diseño, utilizando cuadrados, rectángulos y 
círculos repetidos y combinados. La aplicación de ornamentos 
dependían de los elementos usados en una secuencia paralela y sin ritmo.
Diseñaron planos en blanco y negro, además fusión de textos, 
e innovaron en formatos y soportes.
Viena fue el centro principal de innovaciones creativas, 
por lo cual el separatismo vienés
hizo un puente entre el diseño del siglo XX.